Madrid: nella Passagierin gli orrori dell’Olocausto

Il tempo è il grande unificatore di tutto in questa occasione. Non solo perché quest’opera risale al 1968 ed è andata in scena solo trentotto anni dopo, il che le conferisce una condizione molto specifica e speciale; se non perché è gestito da due momenti diversi in scena, due periodi di tempo diversi legati tra loro dalla memoria, ma in cui i contesti sono diversi nell’essenza, ma non nell’intensità emotiva. La Passaggera transita tra l’orrore di un campo di concentramento e sterminio nazista e un “presente” in cui sensi di colpa e innumerevoli sentimenti caratterizzano un incontro inaspettato e insoddisfacente tra due donne. Il tempo non cancella ciò che veramente ci segna e la coscienza non si riposa quando l’intensità la supera. La storia unisce una prigioniera dell’Olocausto e la sua prigioniera, il cui ricongiungimento ha un solo legame vincolante: la paura.

Una favolosa struttura metallica, realizzata da Johan Engels, su più livelli che permette la sovrapposizione e lo scambio di pannelli e, soprattutto, di livelli, passa dall’essere un’elegante nave da crociera che naviga in alto mare al sovraffollamento, alla spietata tortura di una delle baracche di Auschwitz… Gli spazi non sono specificati, sono definiti con pennellate di ottimo buon gusto scenico, con forza e vigore e con la luce come base primaria di tutto. La luce, firmata da Fabrice Kebour, definisce le emozioni ed esemplifica il luogo del sole radioso e dell’oscurità di una notte che non finisce mai.

Un uso più che corretto dei costumi, realizzati da Marie-Jeanne Lecca, permette di identificare ogni ruolo, ogni personaggio, anche quando sono nel silenzio più puro. Perché l’iconografia di questa barbarie presente nel montaggio è e sarà nella nostra retina, purtroppo, e nel nostro subconscio per sempre.

Nella proposta del suo regista David Pountney, il torrente di shock che l’azione drammatica sprigiona ha un supporto magnificamente preciso nella qualità delle voci. Il lavoro vocale di Amanda Majeski nel ruolo di Marta è qualcosa degno di ogni elogio per la sua qualità, la sua intensità, la sua drammaticità e il suo impegno sul palco. Questo soprano di origine nordamericana è semplicemente magnifico e ha messo in mostra le sue abbondanti qualità artistiche in questa produzione.

Altrettanto notevole è la presenza di Daveda Karanas, mezzosoprano, come Lisa e quella di Anna Gorbachyova-Ogilvie e Marta Fontanals-Simmons, anche se sarebbe molto ingiusto non riconoscere l’eccellente lavoro di ognuna delle donne voci che compongono lo spettacolo. Spicca ovviamente anche la partecipazione di Nikolai Schukoff, il tenore austriaco che interpreta Walter nella storia, in cui spicca anche il baritono ungherese Gyula Orendt nel ruolo di Tadeusz, con cui condivide il ruolo di violinista lo straordinario Stephen Waarts. Risultato ancora una volta iniquo, per non parlare degli altri membri del cast, in questo caso uomini per il loro impeccabile lavoro.

E qui ci fermiamo a menzionare la maestria sul palco dimostrata dal Coro Principale del Teatro Real, diretto da José Luis Basso, che, anche con frammenti in spagnolo, conferisce una personalità unica al suono apprezzato dal pubblico. Gli attributi vocali che vengono messi in scena sono di tale virtuosismo da diventare parte del linguaggio scenico per creare tutte le situazioni vissute.

E come non potrebbe essere altrimenti, il ruolo dell’Orchestra, diretta in questo caso niente meno che da Miga Grazintè-Tyla, incomparabile direttore musicale di origine lituana che riesce a estrarre dall’Orchestra la risorsa drammatica e sensazionale di questo foglio musica. La musica di Mieczysław Weinberg è intensa e piena di grande simbolismo. La presenza più che riuscita delle percussioni, che generano suoni di ogni tipo e creano un’atmosfera insolita, conferiscono a tutto il carattere che la trama richiede. Alexander Medvedev crea la trama basata sul romanzo omonimo (1962) di Zofia Posmysz e questo meraviglioso duo che i due formano è ciò che permette la brillantezza che “The Passenger” ha sul palco.

C’è una lentezza manifesta che accompagna la cupezza nell’azione drammatica, soprattutto, come è logico supporre, nelle scene che vengono inquadrate ad Auschwitz, ma questa è solo un accompagnamento dell’atmosfera necessaria, per dare un quadro a tante turbamenti che la sceneggiatura risveglia nel cuore e nella mente di chi la gusta dalla propria poltrona in questa prima assoluta per il Teatro Real, in coproduzione con il Festival di Bregenz, il Teatr Wielki di Varsavia e l’Opera Nazionale Inglese e che è realizzata in commemorazione dell’anniversario della morte dell’illustre figura dell’Opera Gerard Mortier.

Ricardo Ladrón de Guevara R.
(24 marzo 2024)

ORIGINALE SPAGNOLO

Cuando el rencor, el perdón y la culpa se embarcan en un viaje interminable por las aguas maravillosas que sólo la Ópera puede albergar.

El tiempo es el gran unificador de todo en esta ocasión. No solamente porque esta Ópera data de 1968 y no subió a un escenario hasta treinta y ocho años más tarde, lo que la dota de una condición muy específica y especial; si no poque se maneja por dos momentos distintos en escena, dos períodos de tiempo distintos unidos entre sí por el recuerdo, pero en el que los contextos son diferentes en esencia, pero no en intensidad emocional. La Pasajera transita entre el horror de un Campo de Concentración y exterminio Nazi y un “presente” en el que la culpa, y un sin número de sentimientos caracterizan a un encuentro, inesperado e insatisfactorio entre dos mujeres. El tiempo no borra aquello que nos marca de verdad y la conciencia no descansa cuando la intensidad la sobrepasa. La historia une a una prisionera del holocausto y a su carcelaria cuyo reencuentro sólo tiene un lazo ejecutor y es el miedo.

Una fabulosa estructura de metal, creada por Johan Engels, en varios niveles que permite la superposición e intercambio de paneles y sobre todo de niveles, pasa de ser un elegante crucero que navega por alta mar al hacinamiento hecho tortura inmisericorde de uno de los barracones Auschwitz. Los espacios no se precisan, se definen con pinceladas de excelente buen gusto escénico, con fuerza y contundencia y con la luz como base primordial de todo. La luz, firmada por Fabrice Kebour, define las emociones y ejemplifica el lugar del sol radiante y el oscuro de una noche que no terminaba nunca.

Una más que correcta utilización del vestuario, creado por Marie-Jeanne Lecca, nos permite identificar cada rol, cada personaje, aún y cuando estén en el más puro silencio. Porque la iconografía de esta barbarie que está presente en el montaje están y estarán en nuestras retinas, lamentablemente, y en nuestro subconsciente por siempre.

En la propuesta de su Director David Pountney, el torrente de conmociones que libera la acción dramática tiene un asidero magníficamente preciso en la calidad de las voces. El trabajo vocal de Amanda Majeski en el rol de Marta es algo digno de todo elogio por su calidad, por su intensidad, su dramatismo y su compromiso en escena. Esta soprano de procedencia norteamericana, es simplemente magnífica y ha hecho gala en este montaje de su sobrada calidad artística. Así como no es menos destacada, la presencia de Daveda Karanas, mezzo soprano, como Lisa y la de Anna Gorbachyova-Ogilvie y Marta Fontanals-Simmons, aunque sería muy injusto no reconocer el excelente trabajo de todas y cada una de las voces femeninas que integran el espectáculo. Siendo, por supuesto, muy destacada la participación de Nikolai Schukoff, el tenor austríaco que da vida al Walter de la historia en la que también se destaca el barítono húngaro, Gyula Orendt en el rol de Tadeusz que comparte en su faceta de violinista con el extraordinario Stephen Waarts. Resultando de nuevo inicuo, no mencionar a los demás miembros del elenco, en este caso masculino por su impecable trabajo. Y aquí hacemos un alto para mencionar la maestría en escena demostrada por el Coro Titular del Teatro Real, dirigidso por José Luis Basso, que incluso con fragmentos en castellano, dotan de una personalidad única al sonido que se disfruta como público. Los atributos vocales que se ponen en escena, son de tal virtuosismo, que se convierten en parte del lenguaje escénico para crear todas las situaciones que se viven.

Y como no podría ser de otra forma, el papel del la Orquesta, dirigida en este caso nada menos y nada más que por Miga Grazintè-Tyla, una incomparable directora musical de origen lituano que logra sacar de la Orquesta el recurso dramático y sensacionalista que tiene esta partitura. La música de Mieczysław Weinberg es intensa y cargada de un gran simbolismo. La más que acertada presencia de la percusión, generando sonidos de todo tipo, y creando una atmósfera inusitada le imprimen a todo, el carácter que la trama reclama. Alexander Medvedev, crea el argumento partiendo de la novela del mismo nombre de (1962) de Zofia Posmysz y esta dupla maravillosa que forman ambos, es lo que permite el brillo que tiene “La Pasajera” sobre las tablas.

Hay una lentitud manifiesta que acompaña lo lúgubre en la acción dramática, sobre todo y como es lógico suponer, en las escenas que están enmarcadas en Auschwitz, pero esta sólo es un acompañante del clima necesario, para darle marco a tantas turbaciones que el guión despierta en el corazón y en la mente de quien lo disfruta desde su butaca en este estreno para el Teatro Real, en  coproducción con Bregenz Festival, el Teatr Wielki de Varsovia y la English National Opera y que se hace en conmemoración del aniversario de la muerte de la insigne figura de la Ópera Gerard Mortier.

La culpa, el perdón, la soledad, el encierro, la injusticia y la amarga visión de la muerte en vida, o la vida en espera de la muerte cómo único consuelo, son los ingredientes que se conjugan para dar vida a una fascinante y cruda historia, en la que la música, ese lenguaje universal que sobrepasa el tiempo y a las distancias, se entrelaza con el virtuosismo de las voces más educadas, para hacer que te sientas pasajero de un viaje, cuyo único destino es el aplauso más merecido.

Ricardo Ladrón de Guevara R.